Outside

Salgamos fuera! A la luz del sol. Se qué queréis, pero no podéis decirlo. Salgamos a la luz de la luna y llévame a esos lugares que tanto me gustan.

Las expresiones encierro y privación de la libertad, para mí son conceptos que se ubican en las antípodas y muy lejos de mis afectos, de mi ideología. Buscar la forma de nunca salir hacia afuera en la construcción de un mundo ideal hacia el que se avanza sólo bajo el puritanismo platónico autoflajelante que actúa como compensación psicológica al fracaso, a la vez que aumenta la seguridad como sentimiento con la sensación superficial, en el fondo muy inquietante, de que el peligro se aleja. Es un mecanismo esclavizante que conduce derecho a la autofagia de los que abandonan la meta de salir a “conquistar al mundo”. Comer hacia adentro, deshacerse de los impuros es una manera de verse más grande de lo que se es y construirse, a costa de los demás formas más o menos explícitas de violencia, un falso edén vampirizando para esconder la impotencia y actuar frente a ese mundo hostil. Pero tal cosa es solo la superficialidad de un proceso que en realidad conduce a la exaltación de los trazos gruesos y por lo tanto a la pobreza intelectual. El punto es que esto es incompatible con la libertad individual, aunque no seamos sólo seres racionales y también actuemos por impulsos más primitivos. La libertad no es sólo una idea platónica, es algo a ser ejercido, que ocurre fuera del muro. Porque la libertad está ahí fuera!!!

El Icono Mártir

Del ascetismo a la carnalidad, del martirio al éxtasis, del misticismo a la exuberancia y de la devoción al sadomasoquismo.

La imagen de San Sebastián es ambigua y ambivalente, a medio camino entre el sacrificio y el gozo, es una de las figuras más representadas en el arte contemporáneo. Militar milanés al que su muerte en martirio cristiano a comienzos del siglo IV convirtió en San Sebastián, fue mucho tiempo una referencia histórica y religiosa. Las numerosas ciudades que llevan su nombre y los innumerables templos erigidos en su culto y memoria a lo largo y ancho del mundo son expresión de la admiración que despertó su figura religiosa. En el último tercio del siglo XIX la representación artística del santo empieza a superponerse y a oscurecer la imagen religiosa. Aquel soldado santo al que se representa semidesnudo, atado al tronco de un árbol, acribillado de flechas, con mirada doliente, se convierte en icono del arte y podría afirmarse que hoy la dimensión religiosa de San Sebastián palidece ante la versión artística del soldado Sebastián. Incluso en lugares como Donostia, en donde es el Santo patrón. El año pasado se rindió un particular homenaje a este Santo patrón en la Sala kubo-kutxa en la exposición “De lo sagrado y lo profano”, un acercamiento a la figura del patrón de la ciudad a través de la mirada actual que nos ofrecen las obras de artistas contemporáneos que, basados en su leyenda, han tratado su repercusión y su actual significado simbólico.

Nuestra cultura está impregnada de símbolos de todos los tipos. Estos generalmente actúan de forma inconsciente y otras veces se establecen más conscientemente. Para la cultura gay, San Sebastián es un mártir y víctima de los valores morales de su respectivas época.

La evolución de de San Sebastián como icono gay tiene una larga historia. Su figura aparece en miles de obras de arte. Ha sido inmortalizado por los más grandes pintores −Tintoretto, Tiziano, Botticelli, El Greco…−. Ya en el siglo XIX sus sensuales pinturas inspiraron un culto homosexual explícito. En la literatura, Tenesse Williams encontramos un poema, ‘San Sebastiano de Sodoma’, en el que narra el en unos cuantos versos explica su drama.

Tanto la historia de San Sebastián como su rol en la cultura gay más moderna simbolizan el impulso de subversión. En muchas pinturas de San Sebastián luce un rostro que expresa una mezcla de placer y dolor. Se considera que esto ilustra el placer por ser coherente con sus convicciones y el dolor de verse atacado por defenderlas. En este caso quiero proponer Una “Santa Sebastiana” que gracias a la calidad gestual que posee mi modelo Oksana Shkiryatova, he podido desarrollar y proponer una visión de este Santo en una versión femenina.

Photographs model: Eugenia Carica Model : Oksana Shkiryatova Art Work: Gonzalo Villar

Do you Spanking English?

La Disciplina Inglesa suele entenderse como una de las partes de un concepto más amplio que engloba comportamientos sexuales no-convencionales, el BDSM. Algunos autores la incluyen en el sadomasoquismo, aunque también es posible entenderla como parte de los Juegos de Rol-DS, gracias a que a veces incorpora formas de relación sexual en la que una de las partes toma el papel de maestro o maestra “inflexible”, mientras que la otra parte asume el papel de alumna o alumno. El azote está presente en la historia por medio de grabados y escritos. En ellos se representa principalmente el momento del castigo, pudiendo ser un castigo por una falta cometida o un castigo con carga sensual.

La disciplina inglesa utiliza el azote o spanking como una herramienta para corregir o cambiar las malas actitudes y el comportamiento. Tony Blair prohibió el castigo físicoen las escuelas británicas. Pero antes de que se prohibiera estaba regulado el número de azotes y el implemento utilizado, basándose de la gravedad de la falta. Este castigo era principalmente impartido después de hacer ver al alumno que era necesario el correctivo debido a los malos actos que cometió.La vertiente erótica del spanking también tiene diversos escritos, grabados y, más modernamente, fotografías y películas. Una de las estrellas del spanking es Bettie Page, con una gran cantidad de fotografías y cortos spankos. Una película que marcó el mundo spanko es Secretary, rodada en 2002 y protagonizada por James Spader y Magie Gyllenhaal.

Con la llegada de las nuevas tecnologías se crearon portales especializados en la vertiente erótica de esta disciplina, existiendo actualmente blogs, foros, portales de venta de videos. Uno de los sitios donde te enseñan a la práctica del spanking es en la ” Aldea Sado”

Park Seung Mo. El paciente Coreano

Genial artista y meticuloso escultor coreano, especializado en el alambre, ya que la materia prima de Seung Mo Park es la malla metálica. Mediante unos alicates de alambre, paciencia, y una gran visión espacial, crea unas obras llenas de sensaciones ligeras por el material que utiliza a la vez que contundentes por su gran tamaño.

Seung Mo Park crea retratos gigantes efímeros mediante la reducción capa tras capa de malla de alambre. Cada trabajo comienza con una fotografía que utiliza de plantilla en la que se superponen capas de malla reservando zonas para crear efectos de sombreado espectaculares y recortando con tenazas para conseguir las luces. Utilizando la técnica de sustracción Park lentamente recorta áreas de la malla.

Cada pieza es de varios centímetros de espesor, ya que cada plano que forma la imagen final está separada a muy poca distancia, dando a los retratos una cierta profundidad y dimensionalidad que es difícil de transmitir en una fotografía. Finalmente, y con la ayuda de un proyector, se iluminan los retratos y se puede contemplar la obra.
El resultado de estas complicadas obras es magnífico. En este video podemos ver el proceso.

 

Jarosław Datta, La poesia tenebrista

Artista Polaco, Jarosław Datta es sin duda uno de los fotógrafos que tratan mejor la imagen. Sutil en la luz, modelos de belleza decadente que nos traslada mágicamente hacia aquellos tiempos del romanticismo .

Sus fotografías son auténticas pinceladas llenas de poesía e inquietantes, que nos rememoran y se acercan al tenebrismo, nombre que la historiografía del arte da a un estilo o corriente de la pintura del barroco correspondiente a su fase inicial, a comienzos del siglo XVII, cuyo principales exponentes son el italiano Caravaggio y José de Ribera (el españoleto, afincado en Nápoles y uno de mis artistas clásicos favoritos).  Ese tenebrismo que se caracteriza por el violento contraste de luces y sombras mediante una forzada iluminación (de forma muy evidente cuando se hace llegar un foco de luz marcando una diagonal en la supuesta pared del fondo, como la que proviene de un tragaluz ).

Jarosław Datta es uno de mis artistas más admirados en la actualidad que me han influido y animaron a comenzar en la fotografía artística.

Websites:

Gloriosas Bastardas

El cuerpo humano y su desnudez contienen tal belleza y perfección que siempre han sido motivo de inspiración para los diferentes artistas de todos los tiempos. Las diversas ramas del arte, desde la pintura hasta la escultura, han honrado al cuerpo humano con obras magistrales de esta naturaleza. La fotografía, por supuesto, no ha dejado de lado este maravilloso modelo; y existen numerosos fotógrafos que han realizado series impactantes y de un nivel artístico maravilloso sobre desnudos.

Photo: Aleksai Model : Oksana Shkiryatova Art Work: Gonzalo Villar

Gloriosas Bastardas es un blog basado estéticamente en la película Malditos Bastardos (‘Inglorious Basterds’) del genial Quentin Tarantino. En 1978, el temible Enzo G. Castellari realizó ‘Aquel maldito tren blindado’ (‘Quel maledetto treno blindato’), cuyo título internacional fue ‘Inglorious Bastards’, dice el propio Tarantino que dicha película le inspiró para realizar su ‘Malditos bastardos’ (‘Inglorious Basterds’), en otra demostración de su cinefilia. Quien haya visto ‘ Malditos bastardos‘ no una película bélica al uso sin más. Su más que simple trama se resume diciendo que se trata de una historia de buenos muy buenos y malos muy malos, y de cómo los buenos tiene que volverse más bestias que los malos para acabar con estos últimos. El bien y el mal enfrentados una vez más bajo la apariencia de puro entretenimiento y una excusa para liberar toda la adrenalina creativa que alberga el director. Esta es la propuesta del blog,  aportar instantes y composiciones creativas para ensalzar la belleza de la mujer, de ahí el cambio del título a “Gloriosas”. Es obvio que como en ‘Inglourious Basterds’ este blog es una portentosa parodia antinazi y se exponen fotografías con la autorización expresa de los autores , colaboradores y excelentes fotógrafos como Jose Manchado, Andrew Lucas y principalmente la modelo internacional Oksana Shkiryatova, es la versión femenina del teniente Aldo Raine (Brad Pitt) de Tarantino.

Photo: Alex Fomin Model : Oksana Shkiryatova Art Work: Gonzalo Villar

En ocasiones veo Rinocerontes

Rhinocerator – Gonzalo Villar ( 2011)

La inspiración se define como un brote de creatividad irracional e inconsciente. Literalmente, la palabra significa “recibir el aliento,” y tiene sus orígenes en el helenismo y la cultura hebrea.  Según los griegos, la inspiración supone que el poeta o artista alcanza un estado de éxtasis o furor poeticus, el frenesí divino o locura poética. El artista es transportado más allá de su propia mente y recibe los pensamientos de los dioses. Según Sigmund Freud “ Si la inspiración no viene a mi, salgo a su encuentro “. En mi caso la inspiración, ciertamente, es caprichosa,  a veces viene con un simple detalle al que nadie presta atención, con un gesto, unas palabras o una imagen. La idea de mi “Rinocerator” surgió con una escena que protagoniza Adrien Brody, el Dalí en Midnight in Paris“ y a mi admiración por el pintor de Figueras.

En la década de los cincuenta, Dalí introducirá la figura del rinoceronte en su repertorio iconográfico. Se trata de un motivo recurrente en toda su producción meridiana, que nace -a través de pócimas paranoico críticas- de Lautréamont, Dios y Vermeer de Delft. ( Apunte paranóico-crítico sobre Dalí y el rinoceronte).

Galería Rinocerontes de Dalí:

No obstante desde Plinio el Viejo hasta Salvador Dalí, el rinoceronte es una bestia que ha inspirado los más variados sentimientos a lo largo de la historia escrita. Poetas, monarcas, viajeros, modistos, políticos, y sociedades enteras se han visto influenciadas, de una u otra manera, por estos nobles gigantes ( véase Pequeño Tratado de Rinocerontología ). Ahora en ocasiones veo Rinocerontes.

Gonzalo Villar

Realismo Húmedo

Paisajismo urbano trazado con pincelada suelta. Así es como se nos revela Pedro Rodríguez Garrido (Huelva 1971) como un autor de un realismo húmedo casi lírico, en el que en numerosas ocasiones introduce una visión tan particular que acaba reconstruyendo lo que mira. El artista parte siempre, por tanto, de una concepción plástica enraizada en el dato visivo, aunque durante el desarrollo plástico dota a esa realidad de un sentido personal pero que nunca deja de ser verosímil y análogo a lo observado. En este sentido, su materia pictórica se halla en una feliz dialéctica entre la reproducción verista de diversos ámbitos urbanos, el interés por los matices cromáticos y los tonos de luz y su cada más sugestiva desmaterialización conseguida por medio del toque ingrávido que caracteriza su discurso. Esta aparente fragilidad del trazo se complementa con la brumosa evanescencia de determinadas áreas cromáticas, para crear de este modo un juego de relaciones plásticas e interacción visual de gran efectividad. Nosotros, como espectadores, somos los receptores privilegiados de un acto creativo de notabilísimo rigor estético y técnico, de una pintura ejemplar tanto por la seriedad del planteamiento en que se basa como por la resolución.

Gran Via al anochecer

Licendiado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, especialidad pintura, desde sus primeras muestras individuales, a mediados de los noventa, hasta sus más recientes muestras personales y colectivas en Huelva, Granada, Madrid, Sevilla y Barcelona, la pintura de Pedro Rodríguez Garrido se ha enriquecido con la experiencia y el compromiso de un creador con su propio discurso. Entre los numerosos premios que ha obtenido a lo largo de aún breve carrera, destaca el primer premio en el Certamen Nacional de Bellas Artes del Ateneo de Sevilla (2000) y el primer premio del Salón Nacional de Pintura de Ayamonte (2001)

Fuente: Carlos Delgado

Algo huele mal en el arte de Mariscal

El nuevo logo de Madrid 2020 como ciudad aspirante para las olimpiadas…. o serán para las del 20020?? Lo que está claro que ha sido uno de lo mas criticados por todos. Se ha querido jugar con la M y el resultado ha sido penoso.Estamos de acuerdo que el logo en cuestión parece poco trabajado, muy infantil, con fallos de tipografía, colores y técnicamente deficiente, pero ha sido la agencia Tapsa quien ha realizado correcciones en toda la composición, es decir esos inquietantes óvalos, tipografía interior, colores y tipografía inferior, así pues el resultado del arte final de la agencia TAPSA es terrible. El logo original ha sido diseñado por el estudiante de la Escuela Superior de Diseño de Aragón Luis Peiret, ganador del concurso organizado por el Ayuntamiento de Madrid, que se llevará una beca de 6.000 euros por haber resultado seleccionado. El dibujo original ( el que aparece arriba ), según explicó Peiret presentaba las letras “m 20” sobreimpresionadas sobre cinco rectángulos en posición vertical. La condición de ciudad aspirante figuraba en mayúsculas y ‘Madrid 2020′ se presentaba con mayúscula inicial y sin la tilde que sí aparece en la versión definitiva.

Esta última también prescinde del color negro (uno de los cinco colores olímpicos y que representa al continente africano), que ha sido sustituido por el inédito morado. Que se elija la marca que va a representar la candidatura olímpica en un concurso de aficionados, es algo comprensible para promocionar a jovenes diseñadores, pero que la agencia que retoque el original lo empeore es más grave.Lo que no tiene nombre es que el gran “xavier” Mariscal ( El creador de ” tu retrato con un 6 y un 4 ” ) se apunte a la burla desenfrenada con las “chanclas” y en un alarde de ingenio, pone unas caras y unos pelitos vete a saber por qué y añade un “desastre total” ahí… a lo “foto tuenti”.

Después, pregunta la opinión a diseñadores y dicen ” Es muy feo y es normal que pase si se encarga a gente sin experiencia”. Un buen análisis sesudo, digno de un profesional, sí señor…y que ayuda mucho a los jóvenes diseñadores que están empezando. Parece que Mariscal “superstar” ( vease su grupo de fans en el facebook) no recuerda que también fue muy criticado con la famosa llama olímpica, creada en 2001.Siendo alcalde Álvarez del Manzano criticó y rechazó el logotipo olímpico de 2012, con los argumentos: ‘no es expresivo ni representativo de Madrid’, ‘no hay ninguna referencia a Madrid’ y ‘es un dibujo que igual podría representar a Madrid que a Burgos que a Estocolmo’.Mariscal estuvo un mes pensando cómo contentar al alcalde de Madrid, que echó por tierra su primera propuesta de logotipo, al final, el diseñador optó por dar la vuelta a su idea inicial o lo que es lo mismo la antorcha que antes era horizontal se convirtió en vertical. A la imagen transformada, le ha añadió el año en que Madrid aspiraba ser la capital del deporte mundial jugando con la inicial de la ciudad y que la M en números romanos equivale a mil.

El “super artista” dibujó una llama, la olímpica, en rojo y ondulante, flotando sobre la tipografía 2M12, en referencia al año y a la M de Madrid, Pero tampoco quedó exento este logo de las parodias. A raíz del incendio del edificio Windsor, en enero de 2005, proliferaron los montajes en los que podía verse la llama olímpica sobre los restos del rascacielos.

Con ese fondo rojo vino, la llamita, 2M12,  me pareció tan simple como el propio Mariscal, que recordaba al 11M. En general hay que reconocer que el diseño gráfico de los elementos públicos de Madrid, léase banderolas, carteles de teatro y exposiciones siempre ha pecado de poco atrevido y un poco apagado, de modo que el logo estaba en esa tónica.Lo que sí me resulta bastante triste es que lo diseñó el niño bonito catalán ( nacido en Valencia ), desconozco si hubo concurso público, pero me huele que se lo han encargado a él porque diseñó el cobi, que ni siquiera lo hizo para la ocasión, ya que envió uno de los perros aplastados ( los garriris, los llamaba) que dibujaba para El Víbora. Hace unos años vi una entrevista del Mariscal. Ante los piropos que el periodista no cesaba de echarle a su arte, Mariscal respondió: «yo me tiro un pedo y hago arte». Quizá es por esto que lo que hace este “genio” huele mal.

Pilar Jurado, una voz de cine

La soprano Pilar Jurado publicó el pasado mes de noviembre su nuevo disco, que lleva el título de ‘Una voz de cine’. En este álbum, Jurado se sumerge en el mundo cinematográfico para extraer algunos de sus temas más universales y recrearlos, con los que consigue unir música clásica, musical y jazz. Este álbum se abre con la canción ‘Cinema paradiso’, banda sonora de la película que lleva su mismo título. Este tema es muy significativo para Jurado, ya que su compositor, Andrea Morricone, hijo del afamado Ennio Morricone, fue su maestro en composición para cine.

este tema le siguen ‘My favorite things, de la película Sonrisas y lágrimas’; ‘Libertango’, ‘Volare’ o ‘Indian Summer’. Otras de las canciones que se incluyen en este disco proceden de la ópera y aquí cobran una nueva dimensión como en ‘L’amour’, una versión jazzistica de la Habanera de Carmen; ‘Stranger in Paradise’ y ‘O mio babbino caro’, que llegó al gran público a través de la película ‘Una habitación con vistas’. Además, ‘Una voz de cine’ incluye el tema ‘Over the rainbow’ que, en palabras de Jurado, “simboliza tan bien los deseos y sueños de la gente que por ello la gente llora cuando la oye”.

“La he cantado cientos de veces y sigue siendo la canción que llevo más cerca del corazón”, indica. ‘I will wait for you’, dedicada al cineasta Fernando Trueba; ‘Somewhere’, de ‘West Side Story’ y ‘La vie en rose’ completan un catálogo que concluye con uno de los temas más famosos de la música brasileña, ‘Aquarela do Brasil’. La grabación de este disco se ha llevado a cabo casi al mismo tiempo que la presentación el pasado mes de febrero en el Teatro Real de la ópera ‘La página en blanco’, con la que se ha convertido en la primera mujer de la historia que lo consigue. Además, ella encarna uno de los papeles protagonistas y es autora del libreto.

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